Nostalgia jurásica

Jurassic World (Jurassic World, 2015)

Dirección: Colin Trevorrow

Guión: Colin Trevorrow, Rick Jaffa, Amanda Silver, Derek Connolly, 

Intérpretes: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Nick Robinson, Vincent D'Onofrio, Jake Johnson, Judy Greer, Irrfan Khan, Ty Simpkins, Omar Sy

Fotografía: John Schwartzman

Música: Michael Giacchino

★★★★★

Aunque la banda sonora, en esta ocasión, no ha sido compuesta por John Williams, inevitablemente, el mítico tema del original Parque Jurásico (1993) ha sido incluido e integrado en forma de homenaje por el compositor sustituto: Michael Giacchino. No queda claro si por exigencias de los productores o por iniciativa propia con ánimo de contentar a los fans o de homenajear al maestro pero el caso es que su trabajo, siendo bastante bueno, queda supeditado al ya conocido por todos. Este pequeño detalle resume, en realidad, lo que es, en su conjunto, Jurassic World: una entretenida cinta de aventuras a medio camino entre el tributo nostálgico y la dependencia a una mitología demasiado icónica. Puede que su director, Colin Trevorrow, no haya tenido demasiado margen de maniobra o, simplemente, no ha considerado necesario llevar la película mucho más lejos del punto de partida primigenio. 

Las grandes novedades de la presente entrega son la apertura definitiva del parque, la creación de un dinosaurio más grande y temible diseñado con ingeniería genética y la domesticación de los velociraptores. Todo eso da un aire de renovación muy saludable a la franquicia y permite que la acción, las persecuciones y los gritos vuelvan a tener fuerza y frescura. De esta manera, aunque las referencias al trabajo de Spielberg son constantes, el filme no por eso deja de funcionar, de ser totalmente disfrutable, divertido, emocionante y, por pequeños giros de guión, hasta sorprendente. 

La ochentera pareja que forman el carismático Chris Pratt (postulándose más que nunca como nuevo Indiana Jones) y la fantástica Bryce Dallas Howard (la verdadera protagonista) hacen el trepidante viaje mucho más confortable. Su relación, basada en la vieja fórmula del conflicto por tensión sexual y lucha de géneros, da tan buen resultado como lo ha dado siempre. Lo mismo sucede con la pareja de niños, también tan spielbergianos: hijos de familia desestructurada que unen sus fuerzas frente a la adversidad.

Por todo esto, es casi imposible que defraude a los fanáticos de la saga, ya que, aunque innova poco, ofrece todo lo que se espera de ella y, además, con una factura magnífica, un guión decente y una dirección perspicaz. Si a eso le sumas detalles de genialidad como la alusión a Los pájaros (1961) de Hitchcock, su ironía autorreferencial y los tacones de Dallas Howard, ya tienes el éxito del verano.

Recomendado para adeptos a la nostalgia jurásica y al cine de aventuras clásico.

No recomendado para los que nunca disfrutaron del universo de esta franquicia.

Aventuras de parque temático

Tomorrowland: El mundo del mañana (Tomorrowland, 2015)

Dirección: Brad Bird

Guión: Damon Lindelof, Jeff Jensen y Brad Bird

Intérpretes: Britt Robertson, George Clooney, Hugh Laurie, Raffey Cassidy, Judy Greer, Kathryn Hahn

Fotografía: Claudio Miranda

Música: Michael Giacchino 

★★★★★

Resulta curioso que, en el momento de más poder en la industria de la historia de Disney (tras adueñarse de Pixar, Marvel y Lucasfilm), sea cuando la emblemática compañía sienta la necesidad más evidente de subrayar su propia identidad. Ahí tenemos las recientes adaptaciones con actores de carne y hueso de Alicia en el país de las maravillas (2010), Maléfica (2014) y Cenicienta (2015), a las que, muy pronto, seguirán las ya anunciadas versiones de acción real de El libro de la selva, La bella y la bestia, Mulán, La sirenita y Dumbo. Ante esta absurda vorágine autorreferencial que se nos avecina, hay que valorar que Tomorrowland: El mundo del mañana trate, al menos, de ampliar el imaginario disenyano con material puramente original, ya que, a excepción de Frozen (2013), hace años que este gigante del entretenimiento no ofrece nada que valga la pena y no sea creación de alguna de sus filiales.

La película tiene la peculiaridad de basarse en EPCOT, el parque temático futurista situado en el Walt Disney World Resort y que es el segundo más antiguo e icónico de la franquicia después de Magic Kingdom. A partir de ese concepto utópico de ciudad del mañana, Brad Bird y Damon Lindelof han desarrollado un fabuloso mundo tecnológico y secreto donde habitan las personas más inteligentes del planeta. Desgraciadamente, llevado a la práctica, guionista y director han desaprovechado sus infinitas posibilidades. El argumento del filme versa sobre la obsesión de una adolescente por conocer ese lugar fantástico y, para ello, hará todo lo posible por llegar hasta él. Este relato, algo así como El mago de Oz (1939) contado al revés, tiene una factura visual muy cuidada y se nota que Bird tiene una habilidad especial para dirigir aventuras al estilo más clásico. 

Sin embargo, el guión tarda demasiado en arrancar, es lento y demora innecesariamente la aparición del aliado de la protagonista (Clooney) y más todavía la del muy decepcionante villano interpretado por Hugh Laurie. Por otro lado, la cinta tiene un mensaje positivo y optimista muy valioso, que permite al espectador soñar con cambiar las cosas y hacer de nuestra realidad un sitio más habitable. El problema es que la trama se enreda en teorías de física cuántica al estilo Interstellar (2014), lo que, probablemente, sea demasiado complejo para los niños. En cambio, desde el punto de vista adulto, el conjunto puede parecer algo ingenuo. Una combinación, en definitiva, muy mal planteada.

Quizás le falta algo de arrojo a la hora de adentrarse de verdad en ese país de las maravillas que no acaban de mostrarnos del todo. El público quiere saber más cómo funcionan allí las cosas, por lo que más metraje dedicado a una aventura allí dentro hubiera sido de agradecer. Por otro lado, la propuesta contiene ideas muy acertadas y hermosas como la secuencia de la torre Eiffel, así que, aunque sea por ciertos destellos de genialidad, la peripecia puede llegar a valer la pena.

Recomendado para nostálgicos del espíritu del Walt Disney urbanista. 

No recomendado para aquellos adultos que hayan perdido su capacidad de soñar desde la ingenuidad.

Fantasmas en el plasma

Poltergeist (Poltergeist, 2015)

Dirección: Gil Kenan

Guión: David Lindsay-Abaire

Intérpretes: Rosemarie DeWitt, Sam Rockwell, Jared Harris, Kyle Catlett, Jane Adams

Fotografía: Javier Aguirresarobe

Música: Marc Streitenfeld

★★★★★

Cada vez que llega a nuestra cartelera un remake con un resultado tan poco imaginativo como el que nos ocupa (y lo cierto es que sucede demasiado a menudo), no nos queda otro remedio que repetirnos siempre la misma pregunta: ¿qué necesidad había? Probablemente, la respuesta sea: ninguna. O, dicho de otra manera: vagos intereses económicos basados en cálculos de recaudación que, normalmente, suelen salir rentables. Pero más allá de la holgazanería y el tacticismo de los magnates de Hollywood, el caso es que pocas opciones tenía el director Gil Kenan de aportar algo nuevo al icónico filme que en 1982 dirigió Tobe Hooper bajo el guión, producción y supervisión de Steven Spielberg. No sabemos si Kenan, realmente, se lo ha tomado como un encargo rutinario o si no ha tenido libertad creativa pero, de cualquier forma, la propuesta en sí misma tampoco tenía mucho sentido. Primero, porque el Poltergeist original impactó de tal manera en la cultura popular que ya ha tenido toda una serie de remakes encubiertos a lo largo de los años, como ha pasado con otros hitos del terror como El exorcista (1973). En segundo lugar, el género ha tenido una doble revitalización, recientemente, por un lado, en su versión low cost con la saga iniciada con Paranormal activity (2007) y, por otro, con la espeluznante Insidious (2010) y sus continuaciones. Y, por último, porque las escenas más representativas del filme original (a las que no se podía renunciar) están demasiado vinculadas al momento en el que se filmaron; sirvan como ejemplo la televisión de tubo y la niebla tras la finalización de la emisión que, hoy en día, están totalmente fuera de contexto.

Así, la única aportación de esta versión descafeinada de las aventuras paranormales de Carol Anne (ahora Madison) y su familia es el pelo castaño de la niña, un puñado de tabletas electrónicas desaprovechadas, unos cuantos payasos (en lugar de uno) y un gran plasma de pantalla plana que ya ha perdido toda la fuerza y el sentido. Solamente, el uso (algo gratuito) de un dron en la investigación resulta verdaderamente novedoso, aunque también algo banal y poco trascendente.

Lo peor de todo, en realidad, es que la cinta tiene un grave problema de tono difícil de justificar. Por algún motivo que, seguramente, responde a estudios de mercado, se han añadido unos toques de humor (sobre todo, ligado a la hija adolescente) que ridiculizan una atmósfera de debería ser angustiosa. Incluso la figura del medium, en esta ocasión, está enfocada como la de un showman televisivo, réplicas ingeniosas incluidas, que no le llega ni a la suela de los zapatos a la enigmática espiritista interpretada por la mítica Zelda Rubinstein.

A parte de eso, a quienes no hayan visto la original, quizás les parezca entretenida, aunque también algo ingenua y con demasiados subrayados en torno a la idea de familia unida. Solo nos queda, ante esta tendencia inevitable, la esperanza de que, con los años, prevalezcan en nuestra memoria únicamente las versiones primigenias y olvidemos de nuestro imaginario que alguna vez existieron remakes tan mediocres como éste.

Recomendado para adictos a las nuevas versiones de nuestros clásicos ochenteros (independientemente del resultado).

No recomendado para quienes busquen revivir las emociones de la original.

Frenética salvajada

Max Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road, 2015)

Dirección: George Miller

Guión: Nick Lathouris, Brendan McCarthy, George Miller

Intérpretes: Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult, Rosie Huntington-Whiteley, Nathan Jones, Zoë Kravitz

Fotografía: John Seale

Música: Junkie XL

★★★★★

En un momento en el que parecía que ya solo existían dos modelos de cine comercial (la pirotecnia superficial y efectista de Michael Bay o la densidad narrativa del más pretencioso Christopher Nolan), George Miller ha dado una patada al tablero de juego totalmente inesperada y revolucionaria. Treinta años después de su anterior entrega, Mad Max: Furia en la carretera reivindica, para disfrute de todos, un modelo de cine de acción auténticamente ochentero donde se respira el polvo, se huele el sudor, la sangre salpica y los coche chocan y explotan de verdad. Parece mentira que un director de más de 70 años sea capaz de firmar una película que, siendo una simple secuela tardía (o reboot, como queráis), resulte más moderna, más atrevida, más frenética, sorprendente y divertida que casi cualquiera producto similar actual firmado por alguno de los nuevos cineastas. Como ya vimos con El lobo de Wall Street de Martin Scorsese, parece que la experiencia es un grado a la hora de dominar el ritmo y el pulso narrativo, y que la osadía y la desvergüenza es una cuestión de espíritu más que de juventud.

Miller no solo ha rodado en escenarios reales sino que ha utilizado los mínimos efectos digitales, potenciando el realismo de cada escena y buscando sacar partido al maquillaje, el diseño de los coches, la apurada fotografía, el vestuario y toda la parafernalia postapocalíptica al servicio de unos personajes originales y muy bien definidos. La cámara nos muestra lo que ocurre en cada momento con planos abiertos, sin movimientos demasiado bruscos, reforzando sus virtudes con un montaje ejemplar que huye del estilo videoclipero tan recurrente y cuya banda sonora es la propia celebración de la desmesura. Es cierto que, por momentos, arriesga demasiado, por ejemplo, con la figura del guitarrista, los flashbacks del protagonista o las secuencias a cámara rápida que rozan el ridículo. Pero, en realidad, toda la saga ha tenido siempre ese aire autoparódico al que, por contexto, se le pueden conceder ciertas licencias.

Sin embargo, lo mejor de la cinta es que aporta muchas novedades a un universo que creíamos ya agotado. En esta ocasión, Max Rockatansky, interpretado por un vigoroso Tom Hardy a la altura del personaje, reparte el protagonismo en una historia mucho más coral y feminista en la que Charlize Theron se erige como nuevo (y quizás definitivo) incono de la franquicia. Por no hablar del diseño de esa sociedad fundamentalista, la secuencia nocturna o la tormenta de arena. Por lo demás, la voz en off del atormentado Max sigue una línea muy cercana al cómic, digamos, de la escuela de Frank Miller, que hará las delicias de los aficionados a la épica nihilista.

Como sus propios vehículos, la película es una carrera que avanza siempre hacia adelante; una inagotable persecución, llena de violencia lúdica e ideas delirantes. Abrumadora para los sentidos, quizás haya quien sea incapaz de entrar en esta especie de western bizarro de extrañas criaturas, tullidos, locos disfrazados, viejas con metralleta, embarazadas y vándalos deformes. Aunque raro sería, puesto que es un filme que arrastra de forma algo inevitable; como un camión al que te subes o te pasa por encima.

Recomendado para amantes de la acción pura de ritmo inagotable.

No recomendado para verosimilistas o mentes cerradas a la ciencia-ficción excesiva. 

Un chico de barrio

A cambio de nada (2015)

Dirección y guión: Daniel Guzmán

Intérpretes: Miguel Herrán, Antonio Bachiller, Luis Tosar, María Miguel, Antonia Guzmán, Felipe García Vélez, Patricia Santos, Miguel Rellán, Álex Barahona, 

Fotografía: Josu Inchaustegui

Música: Varios

★★★★★

Doce años le ha costado a Daniel Guzmán sacar adelante su ópera prima como director tras su debut con el cortometraje Sueños (2003), ganador del Premio Goya y la Espiga de Oro del Festival de Valladolid. Más allá de reflejar lo complicadas que están las cosas en el cine español en materia de financiación, este tiempo demuestra el carácter luchador del cineasta y su objetivo de filmar la película exactamente de la manera en que la había concebido. Su personal visión de la historia pasaba, entre otras cosas, por contar con el protagonista adecuado, incluir, necesariamente, un personaje para su abuela y usar canciones de Julio Iglesias como banda sonora. Visto el resultado, parece que la tozudez de Guzmán ha valido la pena ya que, precisamente, son estos tres de los elementos más destacables de la cinta, sumados a una frescura y realismo que ya conocíamos de su trabajo anterior. 

A cambio de nada sigue siendo, en parte, el mismo universo que el de aquellos chicos de barrio que soñaban, se peleaban y tiraban huevos a la policía desde la azotea de sus casas bajo el sol veraniego. La diferencia es que aquí son algo más mayores y la realidad y los problemas los viven con una distancia distinta. La idea de la amistad entendida como un código, donde el cariño se demuestra con través del insulto y las collejas, sigue presente pero, esta vez, encontramos también los demás vínculos del antihéroe marginal como, por ejemplo, las chicas, la familia y la autoridad. 

Lo más interesante del filme es la forma en que Darío (un fantástico Miguel Herrán) paga las consecuencias de un entorno hostil con el que no sabe lidiar. Su huida, finalmente, se basa en la construcción de una familia alternativa, elegida por él, concepto tan profundo como natural con el que Guzmán demuestra una gran madurez estilística. Sin embargo, en el abanico de situaciones y frentes abiertos del guión, existe cierta dispersión narrativa. El ritmo es bueno pero, quizás, abusa de tramas episódicas que, pese a enriquecer el perfil psicológico de los personajes, no acaban de dejar claro hacia dónde nos llevan. 

Las influencias (declaradas o no) de Guzmán son, en realidad, toda una tradición de cine social iniciada por Perros callejeros (1977) y que vivió una nueva etapa con Barrio (1998) y El Bola (2000). Esta corriente en la que se da una visión carismática de la delincuencia y que, durante mucho tiempo, ha sido tan representativa de nuestro cine, no termina aquí de reinventarse. No obstante, consigue darle algo de aire fresco a aquel espíritu hoy injustamente devaluado y que, en realidad, siempre ha obtenido muy buenos resultados.

Recomendado para amantes de las historias reales que sepan valorar el talento joven (y no tan joven).

No recomendado para quienes carguen con demasiados prejuicios sobre el género.

Máximo entretenimiento

Vengadores: La era de Ultron (The Avengers: Age of Ultron, 2015)

Dirección y guión: Joss Whedon

Intérpretes: Robert Downey Jr., Mark Ruffalo, Scarlett Johansson, Chris Evans, Chris Hemsworth, Elizabeth Olsen, Jeremy Renner, Aaron Johnson, Paul Bettany

Fotografía: Ben Davis

Música: Brian Tyler y Danny Elfman

★★★★★

Pese a las constantes quejas por la denominada "invasión" del cine de superhéroes en estos últimos tiempos, deberíamos estar agradecidos a directores como Joss Whedon o Christopher Nolan por esforzarse en ofrecer en cada película un espectáculo de calidad máxima, aunque tengan que pagar, algunas veces, el precio de la pretenciosidad. Hay que estar contentos como amantes del cine porque, en realidad, no hay necesidad ninguna de cuidar el guión para obtener un gran éxito de taquilla cuando la marca se vende por sí sola, como hemos visto con la agotadora saga Transformers y, en general, con el cine de Michael Bay. Digamos que es una cuestión de respeto por su trabajo como cineastas, por el arte de la narración y por el propio público al que interpelan como sujeto inteligente. Esta tendencia, tan estimable como poco valorada por los críticos, sigue el camino marcado por, entre otros, J. J. Abrams, Peter Jackson o el precursor Steven Spielberg, y culmina aquí con lo que sería (en su género) el entretenimiento perfecto.

Se nota que Whedon conoce meticulosamente el universo y la historia que relata, así como el perfil psicológico de todos y cada uno de los personajes. Controla con minuciosidad cada detalle de la mastodóntica estructura que tiene que manejar y sale airoso pese a que podría haberse estrellado por el camino entre su amplio reparto coral y su acción frenética. Supera, de esta manera, con talento y agilidad, las expectativas de una secuela que tenía el listón muy alto.

Tal heroicidad -si se me permite el chiste- se resume en tres aspectos. Primero, la correcta ubicación y tratamiento de cada personaje, sin desmerecer a ninguno, matizando sus diferencias, y aprovechando sus peculiaridades para avanzar hacia adelante. En segundo lugar, su espectacularidad visual que, en ocasiones, peca de parecerse demasiado a la estética de un videojuego, pero que, después, nos maravilla con sus planos secuencia mostrando a todos los Vengadores en acción. Por último, sus diálogos: originales, frescos y divertidos, pero también certeros y hasta trascendentes, alejados de cualquier lugar común. Si a esto le sumamos sus momentos de cotidianidad (la fiesta) y un villano complejo que otorga contradicciones a las motivaciones del grupo, podemos decir que nos encontramos ante un filme comercial y pirotécnico... sí. Pero de los de quitarse el sombrero.

Recomendado para amantes del entretenimiento de máxima calidad (sin prejuicios contra la mallas de licra). 

No recomendado para los que no disfrutaron con su primera entrega.

Bufonada geopolítica

The Interview (The Interview, 2014)

Dirección: Evan Goldberg y Seth Rogen

Guión: Dan Sterling

Intérpretes: James Franco, Seth Rogen, Lizzy Caplan, Randall Park, Diana Bang, Timothy Simons

Fotografía: Brandon Trost

Música: Henry Jackman

★★★★★

De una película que despertó la ira del régimen norcoreano, antes incluso de su estreno, con el ataque informático a Sony Pictures incluido, se esperaba, inevitablemente, una cierta inteligencia propia de cualquier sátira capaz de abordar temas tan delicados. Al contrario, lejos de saciar tan altas expectativas, The Interview cuenta con más bien poca perspicacia y mucha de la inconsciencia de quien se burla, indistintamente, tanto de lo más banal como de lo peligroso. Dirigida por Evan Goldberg y Seth Rogen, la película resulta, por momentos, divertida, gracias, sobre todo, a un James Franco un poco pasado de vueltas pero, en cualquier caso, muy carismático. A su lado, Rogen busca un contrapunto que no acaba de cuajar, aunque le sirva para dejar en bandeja a su amigo todo el lucimiento.

Es difícil decir si nos encontramos ante una buena oportunidad perdida o, simplemente, ante una comedia sin pretensiones cuya repercusión la ha sobredimensionado. De lo que sí ha servido, en todo caso, es para recordarnos que al totalitarismo la ironía le resulta indiferente (según nos enseñó Berlanga) pero responde furibundo ante la obviedad y la brocha gorda. Cualquier debate político o artístico generado por las parodias a costa del dictador Kim Jong-un de este filme es mucho más interesante que sus propias bufonadas y, a la vez, una paradoja sobre el valor mismo de la propuesta.

Tratando de poner cierta distancia, cabe decir que la historia arranca con fuerza pero se desinfla a medida que avanza. Aparenta ser rompedora, pero se sostiene sobre una estructura algo arquetípica y no cuenta con buenos secundarios (a excepción de algún que otro cameo). Aun así, es entretenida y, aunque algo tonta, tiene dos o tres buenas ideas destacables. Además, transmite la frescura (como ocurría con Malditos vecinos) de un grupo de actores que, aparentemente, han disfrutado mucho rodándola, cosa que -parece mentira- ocurre cada vez menos.

Recomendado para espectadores de risa fácil y algo ingenuos.

No recomendado para quienes acudan a ella por el 'hype' de toda la polémica.

Engaños con estilo

Focus (Focus, 2015)

Dirección y guión: Glenn Ficarra y John Requa

Intérpretes: Will Smith, Margot Robbie, Rodrigo Santoro, Stephanie Honore, BD Wong, Adrian Martinez, Robert Taylor

Fotografía: Xavier Pérez Grobet

Música: Nick Urata

★★★★★

Tras el batacazo que supuso After Earth (2013) en su carrera, que hasta entonces llevaba tiempo siendo una concatenación de éxitos de taquilla, Will Smith ha decidido jugársela poniendo a prueba su carisma y, así, demostrar que sigue cayendo bien a todo el mundo. Dirigida por Glenn Ficarra y John Requa, Focus es una historia de estafadores muy convencional, con casi todos los clichés del género y un afán evidente de resultar moderna, dinámica y estilosa. Su mejor baza es, sin duda, la gran química entre Margot Robbie y el propio Smith, cuyo encanto aporta toda la gracia y simpatía que el guión no posee (a excepción de algunos diálogos). Gracias a ellos, la película alcanza sus objetivos estéticos, encarnando en cada plano la sensualidad y sofisticación que pretenden sus trajes de diseño, su música discotequera y sus exóticas localizaciones.

No se puede negar que la propuesta, al menos, funciona. Resulta muy entretenida y, por momentos, sexy y divertida. Pero, más allá de eso, tiene también un punto hortera que la aleja de algunas películas de Scorsese en las que parece mirarse (sobre todo, en la primera parte) como Uno de los nuestros (1990) o Casino (1995). Por otro lado, el romance es lo suficientemente verosímil como para sostener la historia, a pesar de que, en conjunto, hay poco contenido tras su cuidada forma.

Los directores de la ingeniosa Crazy, Stupid, Love (2011) han creado, en definitiva, toda una estructura al servicio de la distracción del espectador. Como buenos trileros, se han encargado de que el público no descubra sus trucos hasta el final, aunque, como suele pasar, para sorprenderle haya también que tomarle un poco el pelo. Como ejercicio narrativo sobre la construcción de un engaño, cosa que ya hemos visto muchas veces, es eficaz. Desgraciadamente, no va mucho más allá de eso, le falta sustancia e incluso puede resultar superficial.

Recomendado para ludópatas del engaño y la sensualidad.

No recomendado para quienes anden siempre buscando los ases en las mangas del mago.

Los últimos días de Pier Paolo

Pasolini (Pasolini, 2014)

Dirección y guión: Abel Ferrara

Intérpretes: Willem Dafoe, Ninetto Davoli, Riccardo Scamarcio, Valerio Mastandrea, Adriana Asti, Maria de Medeiros

Fotografía: Stefano Falivene

★★★★★

Probablemente, la etiqueta de biopic se ha utilizado mal en tantas ocasiones que ha terminado por desvirtuarse su verdadera significado. En teoría, en este género tan del gusto de la Academia de Hollywood, solo entrarían aquellas películas que narran la biografía completa de un personaje real. Quedarían fuera, por lo tanto, las que, a veces con mejores resultados, deciden centrarse en un solo episodio de la vida del sujeto en cuestión, como ocurría en la reciente Selma (2014) o la simpática Hitchcock (2012). En esta misma línea, Pasolini cuenta los últimos días del polémico director, escritor y poeta que fue asesinado poco después del estreno del que fue su último filme, Saló, o los 120 días de Sodoma (1975). La visión de Abel Ferrara sobre su protagonista es de veneración absoluta, lo que convierte a la historia en una reflexión melancólica sobre los desencuentros entre la libertad artístico-personal y la sociedad de la corrección.

Quizás el mayor acierto de esta cinta, hasta cierto punto modesta, ha sido dar con el tono adecuado. Alejada absolutamente del morbo o el sensacionalismo que, en muchas ocasiones, rodea la figura de Pasolini, el guión marca un ritmo pausado donde las palabras tienen un gran peso y hay espacio para consideraciones complejas y matices. El director de Teniente corrupto (1992), sorprendentemente, toca aquí un registro poco habitual para él, puede que, de alguna forma, sintiéndose deudor de la obra del cineasta italiano y, de ahí, ese aire de mitificación. El caso es que la propuesta destila ternura, realismo y cierta lírica en casi cada secuencia y, al mismo tiempo, deja un regusto amargo con una profundidad muy valiosa.

Como suele ocurrir en este tipo de películas, su actor principal, Willem Dafoe realiza un trabajo meticuloso y sutil, a pesar de la extraña distancia que supone el hecho de haber rodado en inglés. Pero, salvando esta cuestionable decisión, el resultado es honesto, conmovedor, hermoso en su conjunto y, también, lleno de tristeza. Pasolini nos presenta el final inevitable de un creador sabio y vehemente para un mundo siempre varios pasos por detrás de los más grandes.

Recomendado para interesados en el testamento emocional de un cineasta único.

No recomendado para quienes menosprecien el valor de la libertad artística.

Implacable drama criminal

El año más violento (A Most Violent Year, 2014)

Dirección y guión: J.C. Chandor

Intérpretes: Oscar Isaac, Jessica Chastain, Albert Brooks, David Oyelowo, Christopher Abbott, Peter Gerety

Fotografía: Bradford Young

Música: Alex Ebert

★★★★★

A pesar de lo que pueda sugerir el título, no nos encontramos ante una película de acción trepidante, matanzas o tiroteos excesivos. El año más violento al que se hace referencia (concretamente, el invierno de 1981) funciona más como el contexto de un Nueva York hostil en el que no había espacio para hombres honestos. El filme cuenta la historia de Abel Morales (Oscar Isaac), un inmigrante que trata de sacar adelante a su familia con negocios honrados hasta que la corrupción pone en peligro todo lo que había logrado construir hasta el momento. El director, J.C. Chandor, filma con precisión y elegancia el drama de este tipo normal y su angustioso enfrentamiento contra las mafias de la ciudad y la putrefacción de un sistema comercial dominado por ladrones, estafadores y asesinos.

La película recuerda mucho por su ambientación, su dirección artística y fotografía a El Padrino (1972), incluido su protagonista cuyas motivaciones y punto de vista resultan muy similares a las del joven Michael Corleone que interpretó Al Pacino. En este sentido, la cinta combina ejemplarmente, como ya hizo la trilogía de Coppola, un guión sólido con una visión moderna de lo que explica, sin renunciar al aroma clásico de los gángsters en blanco y negro. Así, Chandor toma sin complejos el relevo del drama criminal riguroso que pudimos ver, en su momento, en propuestas como Érase una vez en América (1984) de Sergio Leone o en la filmografía más representativa de Sidney Lumet. 

Por su parte, Jessica Chastain aporta una interpretación moderadamente deliciosa cuya magia especial hace desear al espectador que aparezca más en pantalla según transcurren los minutos. También es cierto que la narración se toma su tiempo pero, sostenida sobre una estructura meticulosa, consigue avanzar con seguridad construyendo una intriga inteligente. El problema es que, en realidad, su aportación al género, frente a las grandes obras antes mencionadas, es menor y, pese a su alta calidad, corre el riesgo de quedar como una simple recreación formal. No obstante, sus cualidades son muchas como para rebajarla por comparación con sus hermanas mayores. Al fin y al cabo, su amarga mirada sobre la realidad del sueño americano y la contundencia con que destruye ciertos ideales capitalistas son ya valía suficiente como para tenerla en consideración como producto más que estimable.

Recomendado para nostálgicos del buen cine criminal de los setenta.

No recomendado para quienes desprecien el valor narrativo de la violencia no explícita.